Приглашаем посетить сайт
Статьи на букву "Г"
|
Статья большая, находится на отдельной странице. |
|
Статья большая, находится на отдельной странице. |
|
Статья большая, находится на отдельной странице. |
|
ГАЛУППИ Бальдассаре ( 18 X 1706, остров Бурано, близ Венеции - 3 I 1785, Венеция) Имя Б. Галуппи мало о чем говорит современному любителю музыки, но в свое время он был одним из ведущих мастеров итальянской комической оперы. Галуппи сыграл заметную роль в музыкальной жизни не только Италии, но и других стран, особенно России. Италия XVIII в. буквально жила оперой. Это всеми любимое искусство давало выход прирожденной страсти итальянцев к пению, их пылкому темпераменту. Однако оно не стремилось прикоснуться к духовным глубинам и не создало шедевров "на века". В XVIII в. итальянские композиторы создавали оперы десятками, и количество опер Галуппи (112) вполне типично для того времени. Кроме этого Галуппи создал множество произведений для церкви: месс, реквиемов, ораторий и кантат. Блестящий виртуоз - мастер игры на клавире - он написал свыше 50 сонат для этого инструмента. При жизни Галуппи называли Буранелло - от названия острова Бурано (близ Венеции), где он родился. Почти вся его творческая жизнь связана с Венецией: здесь он учился в консерватории (у А. Лотти), а с 1762 г. до конца жизни (за исключением времени пребывания в России) был ее директором и руководителем хора. Тогда же Галуппи получил высший музыкальный пост в Венеции - капельмейстера собора Св. Марка (до этого он почти 15 лет был помощником капельмейстера), в Венеции с конца 20-х гг. ставились его первые оперы. Галуппи писал в основном комические оперы (лучшие из них: "Деревенский философ" - 1754, "Трое смешных влюбленных" - 1761). 20 опер было создано на тексты знаменитого драматурга К. Гольдони, который как-то сказал, что Галуппи "среди музыкантов то же, что Рафаэль среди художников". Кроме комических Галуппи писал и серьезные оперы на античные сюжеты: например, "Покинутая Дидона" (1741) и написанная в России "Ифигения в Тавриде" (1768). Композитор быстро завоевал известность в Италии и других странах. Его приглашают работать в Лондон (1741-43), а в 1765 г. - в Петербург, где в течение трех лет он руководил придворными оперными спектаклями и концертами. Особый интерес представляют хоровые сочинения Галуппи, созданные для православной церкви (всего 15). Композитор во многом способствовал утверждению нового, более простого и эмоционального, стиля русского церковного пения. Его учеником был выдающийся русский композитор Д. Бортнянский (он учился у Галуппи в России, а затем вместе с ним поехал в Италию). Вернувшись в Венецию, Галуппи продолжал исполнять свои обязанности в соборе Св. Марка и в консерватории. Как писал английский путешественник Ч. Бёрни, "гений синьора Галуппи, подобно гению Тициана, делается все вдохновеннее с годами. Сейчас Галуппи никак не меньше 70-ти лет, и тем не менее, по общему мнению, его последние оперы и церковные сочинения изобилуют большим воодушевлением, вкусом и фантазией, чем в любой другой период его жизни". |
|
Статья большая, находится на отдельной странице. |
|
ГАММА (см. ЛАД). |
|
Только взял боец трехрядку, Сразу видно -- гармонист. Для началу, для порядку Кинул пальцы сверху вниз. Позабытый деревенский Вдруг завел, глаза закрыв, Стороны родной смоленской Грустный памятный мотив, И от той гармошки старой, Что осталась сиротой, Как-то вдруг теплее стало На дороге фронтовой. Это «Василий Теркин» Твардовского. А сколько еще стихов, да и песен, и шуточных и лирических, посвящено гармошке. Без этого инструмента и его разновидности баяна и аккордеона, которые приобрели огромную популярность в народе, невозможно, пожалуй, представить себе ни концерта художественной самодеятельности, ни вечера в сельском клубе... Кажется, что гармонь существовала всегда. А между тем это один из самых молодых музыкальных инструментов. Гармоника была изобретена в Берлине в 1822 году. Оттуда она очень быстро распространилась по всему миру. Вам, наверное, не приходило в голову, что она -- родственница самого величественного музыкального инструмента -- органа, а еще больше -- фисгармонии, в названии которой вовсе не случайно есть тот же корень. Все разновидности гармоники -- тоже клавишно-духовые инструменты. Только у аккордеона с одной стороны, а у баяна с обеих клавиши не такие, как на рояле, органе и фисгармонии, а в виде кнопок. Меха у гармоники приводятся в действие вручную. Разновидностей гармоники очень много: венская двухрядная, Русские -- тальянка, ливенка, тульская, саратовская, и, наконец, баян и аккордеон. Отличаются друг от друга они размерами, расположением клавиш и кнопок, количеством рядов кнопок (отсюда названия двухрядка, трехрядка). Особенность гармоники еще и в том, что в отличие от других клавишных инструментов, у нее нажатием одной клавиши-кнопки для левой руки извлекается не один звук, а целый аккорд. Это делает более легким исполнение простых музыкальных произведений -- песен, танцев, но делает невозможным исполнение классической музыки: ведь в ней аккомпанемент никогда не ограничивается простыми аккордами, а создать гармонику со всеми аккордами, которые могут встретиться в музыке, конечно, невозможно. Лишь один из этих инструментов, так называемый «выборный» баян имеет в басу не только заготовленные заранее аккорды, но и полный, как на рояле, звукоряд. На таком баяне играют сложные классические произведения. Вы, наверное, слышали прекрасных исполнителей-баянистов, в руках которых баян звучит полно, мощно, почти как орган. В первой половине XX века гармоники были широко распространены повсеместно. В каждом селе находился свой гармонист. Но и сейчас жизнь ее продолжается -- и в быту, и в самодеятельных ансамблях, и в оркестрах народных инструментов. Классы баяна и аккордеона есть во многих музыкальных школах нашей страны, в музыкальных училищах и консерваториях. |
|
В размеры стройные стекались Мои послушные слова И звонкой рифмой замыкались В гармонии соперник мой Был шум лесов, иль вихорь буйный, Иль иволги напев живой, Иль ночью моря гул глухой, Иль шопот речки тихоструйной. Это, конечно, Пушкин. «Разговор книгопродавца с поэтом», из которого заимствованы приведенные строки, был впервые опубликован в виде предисловия к первой главе «Евгения Онегина». А вот начало пушкинского же стихотворения «Красавица»: Все в ней гармония, все диво, Все выше мира и страстей... И еще один отрывок -- слова Сальери из маленькой трагедии «Моцарт и Сальери»: ...Звуки умертвив, Музыку я разъял, как труп. Поверил Я алгеброй гармонию... Почему здесь приведены столь разные стихи? Что в; них общего? Одно только слово -- гармония. Конечно, употреблено оно в разных значениях. Так что же оно означает? Греческое слово harmonia переводится как созвучие, стройность, соразмерность. Именно в смысле стройности, соразмерности, а значит и красоты употребил это слово Пушкин в стихотворении «Красавица». В первом цитированном отрывке значение слов иное: под гармонией подразумевается поэзия как искусство в стройных, соразмеренных формах выражать владеющие поэтом мысли и чувства. Близко к этому и значение, которое вкладывает в слово гармония Сальери в маленькой пушкинской трагедии. Недаром далее Моцарт произносит тост: ...за искренний союз, Связующий Моцарта и Сальери, Двух сыновей гармонии. Только речь здесь идет уже не о поэзии, а о музыке. Но вспомните, как говорит Сальери: «Поверил я алгеброй гармонию...». В этой фразе заключен, благодаря слову алгебра, еще один смысл: научного, исследовательского подхода к искусству. И тогда возникает еще одно значение гармонии -- как специального термина, определяющего одно из выразительных средств музыки. Это выразительное средство основано на объединении звуков в созвучия и последовательности созвучий. С течением времени менялся характер и особенности всех музыкальных выразительных средств, в том числе и гармонии. Поэтому при ее изучении говорят о различных стилях -- гармонии классической и романтической, гармонии джазовой и т. д. Кстати, этим же словом определяется и учебная дисциплина, которая изучает законы построения и взаимосвязи аккордов. |
|
Его, большого, широченным раструбом выглядывающего из-за плеча музыканта, вы можете видеть на военных парадах или по телевизору, когда духовой оркестр, печатая шаг, играет бодрый марш, или во время встречи почетных гостей принимает участие в торжественной церемонии. Геликон -- самый низкий по звучанию медный духовой инструмент, -- применяется только в духовых оркестрах. По звучанию он соответствует тубе (вы можете прочесть о ней на странице 148) и в симфоническом оркестре не нужен. А трубка геликона (название его происходит от греческого helix -- витой, изогнутый) свернута так, что его можно надеть на себя: просунув в отверстие между витками голову и правую руку, музыкант, таким образом, вешает его на левое плечо. Играют на нем и стоя в военном строю, и на марше, и даже верхом на коне. |
|
Статья большая, находится на отдельной странице. |
|
Статья большая, находится на отдельной странице. |
|
Сейчас гитара -- один из самых распространенных инструментов. Любой вокально-инструментальный ансамбль начинается с гитары. Туристы, отправляясь в поход, не забывают захватить гитару: под нее так хорошо поется вечером у костра! Гитара звучит дома и на эстраде, в лесу и в концертном зале. Из других стран приезжают к нам гитаристы показать свое искусство, познакомить с мелодиями родного края. Родина гитары неизвестна. Предполагают, что возникла она в Древней Греции, но вторую родину обрела в Испании, где уже в VIII -- IX веках получила широчайшее распространение. И через несколько веков гитара -- неотъемлемая часть быта испанцев. Без нее просто нельзя представить себе испанскую жизнь. Помните стихотворение Пушкина? Я здесь, Инезилья, Я здесь, под окном, Объята Севилья И мраком и сном. Исполнен отвагой, Окутан плащом, С гитарой и шпагой Я здесь под окном. Именно так и было: с гитарой и шпагой! Потому что серенада, спетая кавалером у балкона дамы сердца, нередко заканчивалась дуэлью с соперником или разгневанным мужем красавицы. Из Испании гитара распространилась по всей Европе. Ее полюбили в Италии и Германии, Франции и России... Потом она переплыла океан и оказалась в Америке. Гитара -- струнный щипковый инструмент. По форме она напоминает струнные смычковые, но отличается от них количеством струн и способом игры. Гитары бывают шести- и семиструнные. Семиструнная гитара, наиболее удобная для вокального аккомпанемента, получила наибольшее распространение в России. В Испании была распространена шестиструнная гитара. Она же стала и сольным инструментом. Многие крупные композиторы превосходно владели гитарой и с удовольствием писали для нее. Еще одна разновидность этого инструмента -- гавайская гитара. Она имеет шесть струн, под которыми натянута кожа. Играют на ней специальной пластинкой -- плектром. В отличие от звонкого тембра других гитар, у гавайской мягкий, тянущийся, чуть гнусавый звук. История гитары знает многих крупных исполнителей-виртуозов: испанцев Агуада, Таррега, итальянца Джулиани, русских Соколовского, Макарова, Иванова-Крамского. Очень любил гитару гениальный итальянский скрипач Паганини. Он великолепно играл на ней, писал произведения для гитары и для гитары со скрипкой, с удовольствием выступал в концертах как гитарист. Прекрасно играл на гитаре замечательный испанский поэт, певец свободной Испании Ф Гарсиа Лорка. Среди его друзей были выдающиеся гитаристы Андрес Сеговия, Анхель Барронос, Режино Сайнс де ла Маса. Много чудесных строк посвятил Гарсиа Лорка музыке, гитаре. |
|
Статья большая, находится на отдельной странице. |
|
Статья большая, находится на отдельной странице. |
|
Статья большая, находится на отдельной странице. |
|
Статья большая, находится на отдельной странице. |
|
Статья большая, находится на отдельной странице. |
|
Один из деревянных духовых инструментов гобой, вернее его предок, появился в глубокой древности. Еще в Индии в XII -- VII веках до новой эры был известен духовой инструмент оту. Его среднеазиатская родственница зурна, которую считают непосредственной предшественницей гобоя, и сейчас широко распространена в Средней Азии и на Кавказе. Греческий авлос, изображения которого вы могли видеть на древних музейных вазах и без которого не обходился в Древней Греции ни праздник, ни пир, тоже предок гобоя, как, впрочем, и старая (но значительно более молодая, чем авлос) русская свирель. В Европу гобой пришел с Ближнего Востока, и в XVII веке стал постоянным участником оперного оркестра. Диапазон гобоя -- от си, а у некоторых инструментов си-бемоль, малой октавы до фа третьей октавы. Как и у других деревянных инструментов, тембр у гобоя в разных регистрах неодинаков. Нижние его звуки довольно грубы и резки; средние -- насыщенные, с немного гнусавым оттенком; высокие -- пронзительные. Средний и высокий регистры гобоя композиторы используют наиболее часто. На гобое труднее, чем на флейте, играть подвижные, технически сложные музыкальные эпизоды. Но протяжные мелодии звучат на нем ярко и выразительно. Очень хорошо передает гобой мечтательное, задумчивое настроение, помогает рисовать картины сельской природы. Вспомните: в сцене письма Татьяны в опере Чайковского «Евгений Онегин» на словах «...Проснулось все и солнышко встает. Пастух играет...» звучит наигрыш гобоя, подражающий звучанию пастушьего рожка. Гобою поручено начало второй части Четвертой симфонии Чайковского -- задумчивый, грустный напев. Два гобоя играют мелодию Танца маленьких лебедей в «Лебедином озере». А вот Прокофьев в своей симфонической сказке «Петя и волк» поручил гобою в низком регистре изобразить утку, громко крякающую и неуклюже переваливающуюся с боку на бок. Самый близкий родственник гобоя -- английский рожок, появившийся в первой половине XVIII века. Иначе его называют альтовым гобоем. Английский рожок больше гобоя и звучит на квинту ниже. Звук его более меланхоличный, «лениво-мечтательный» по определению Римского-Корсакова. Английский рожок умеет подражать восточным инструментам, поэтому Бородин написал для него одну из тем симфонической картины «В Средней Азии». Но вместе с тем ему поручают такие напевные мелодии, как во вступлении к ариозо Лизы «Откуда эти слезы» из «Пиковой дамы» Чайковского. А в «Фантастической симфонии» Берлиоза и увертюре к опере Россини «Вильгельм Телль» английский рожок имитирует звучание рожка альпийских пастухов. В симфонических оркестрах обычно бывают два гобоя и один английский рожок. |
|
Вы, наверное, думаете: «Что такое голос, объяснять не надо -- это знает всякий». Так? Но слово это имеет не одно значение, да и голоса бывают разные. Звук голоса возникает так же, как любой музыкальный звук, извлекаемый на духовом инструменте. Воздух, которым мы дышим, выходит из легких через дыхательное горло в гортань. В гортани у человека находятся голосовые связки. Под давлением выдыхаемого воздуха они начинают колебаться и слышится звук. В каждом музыкальном инструменте есть резонатор. У человека роль резонатора играют полость рта и носа (это называется -- головной резонатор), но кроме того и грудь (грудной резонатор). Вы слышали, наверное, выражение -- грудной голос. Высота человеческого голоса зависит от величины голосовых связок -- их длины и толщины. От особенностей их строения зависит и тембр -- индивидуальная окраска звука, по которой мы различаем голоса знакомых нам людей. Певческие голоса, вы, конечно, это знаете, бывают разные -- высокие, низкие и средние. Мужские голоса разделяются на тенор, баритон и бас, женские -- это сопрано, меццо-сопрано и контральто. А у детских певческих голосов только две группы -- сопрано и альт (в хоре мальчиков высокие голоса называются дискантами). Обо всех голосах вы можете прочесть на страницах этой книжки -- каждому посвящен отдельный рассказ. В музыке существуют и другие понятия, связанные со словом «голос». Вам, наверное, приходилось слышать: двухголосная инвенция, трехголосная фуга, четырехголосное изложение. В этом случае под голосом подразумевается мелодия, входящая в музыкальную ткань пьесы. Те же из вас, которые учатся в музыкальной школе, наверное знают, что двухголосные инвенции -- это такие пьесы, в которых в каждой руке звучит самостоятельная мелодия, а не мелодия и аккомпанемент, как в других пьесах. Трехголосные инвенции или фуги -- это пьесы, в которых есть три самостоятельных мелодических голоса. Произведения с двумя и более самостоятельными голосами называются полифоническими. Вы можете прочесть о них в рассказах, посвященных полифонии, инвенции и фуге. В полифонии существует понятие голосоведения -- это движение каждого из голосов многоголосного, то есть полифонического произведения. Голосоведение подчиняется своим особым законам, которые должны изучать композиторы. И еще одно понятие, связанное с этим же словом. Голосами называют партии отдельных инструментов в ансамблевых и оркестровых сочинениях. Вы можете услышать, например: «Нужно расписать партитуру по голосам». Это значит, что композитор отдает для исполнения партитуру, а переписчики должны выписать из нее всем исполнителям их партии: в оркестровом сочинении, например, написать столько партий скрипок, сколько в этом оркестре пультов скрипачей, столько раз написать партию контрабаса, сколько пультов контрабасистов и т. д. |
|
ГОМОФОНИЯ (см. МНОГОГОЛОСИЕ). |
|
ГОНДОЛЬЕРА (см. БАРКАРОЛА). |
|
С чего начинается утро в пионерском лагере? Сонную тишину прорезают чистые, звонкие звуки пионерского горна, играющего сигнал подъема. Горн - немецкое слово Horn означает рог -- родоначальник всех медных духовых инструментов. В оркестрах его сейчас не употребляют, так как играть на нем можно лишь самые простые мелодии, такие, как известные, наверное, всем пионерам сигналы подъема, общего сбора, отбоя и др. А вот как сигнальный инструмент горн успешно применяется и в пионерской жизни, и в армии. |
|
ГОССЕК Франсуа Жозеф ( 17 I 1734, Верньи, Эно, Бельгия - 16 II 1829, Пасси, близ Парижа) Французская буржуазная революция XVIII в. "видела в музыке великую социальную силу" (Б. Асафьев), способную мощно воздействовать на мышление и поступки как отдельных людей, так и целых масс. Одним из музыкантов, владевших вниманием и чувствами этих масс, был Ф. Госсек. К нему обращается поэт и драматург Революции М. Ж. Шенье в стихотворении О власти музыки: "Гармоничный Госсек, когда твоя траурная лира провожала гроб автора Меропы" (Вольтера. - С. Р.), "вдали, в жутком мраке, слышались протяжные аккорды похоронных тромбонов, глухой рокот затянутых барабанов и унылые завывания китайского гонга". Один из крупнейших музыкальнообщественных деятелей, Госсек начал свой жизненный путь далеко от культурных центров Европы, в небогатой крестьянской семье. К музыке он приобщился в певческой школе при кафедральном соборе Антверпена. Семнадцати лет молодой музыкант уже в Париже, где находит покровителя - выдающегося французского композитора Ж. Ф. Рамо. Всего лишь через 3 года Госсек возглавил один из лучших оркестров Европы (капеллы генерального откупщика Ла Пуплиньера), которым руководил на протяжении восьми лет (1754-62). В дальнейшем энергия, предприимчивость и авторитет Госсека обеспечили ему службу в капеллах принцев Конти и Конде. В 1770 г. он организовал общество "Концерты любителей", а в 1773 - преобразовал основанное еще в 1725 г. общество "Духовные концерты", исполняя при этом обязанности преподавателя и хормейстера Королевской академии музыки (будущей Grand Opera). Из-за низкого уровня подготовки французских вокалистов требовалась реформа музыкального образования, и Госсек взялся за организацию Королевской школы пения и декламации. Возникнув в 1784 г., она в 1793 г. переросла в Национальный музыкальный институт, а в 1795 - в консерваторию, профессором и ведущим инспектором которой Госсек оставался до 1816г. Вместе с другими профессорами он работал над учебниками по музыкально-теоретическим дисциплинам. В годы Революции и Империи Госсек пользовался большим авторитетом, но с наступлением эпохи Реставрации восьмидесятилетний композитор-республиканец был отстранен от работы в консерватории и от общественной деятельности. Диапазон творческих интересов Госсека очень широк. Он писал комические оперы и лирические драмы, балеты и музыку к драматическим спектаклям, оратории и мессы (в т. ч. реквием, 1760). Наиболее ценной частью его наследия стала музыка для церемоний и празднеств Великой французской революции, а также инструментальная музыка (60 симфоний, ок. 50 квартетов, трио, увертюр). Один из крупнейших французских симфонистов XVIII в., Госсек особенно был ценим своими современниками за умение придать оркестровому произведению французские национальные черты: танцевальность, песенность, ариозность. Возможно, поэтому его часто называют основоположником французской симфонии. Но поистине неувядающая слава Госсека - в его монументальной революционно-патриотической песне. Автор "Песни 14 июля", хора "Пробудись, народ!, Гимна Свободе, Те Deum" (для 200 исполнителей), знаменитого Траурного марша (ставшего прообразом траурных маршей в симфонических и инструментальных произведениях композиторов XIX в.), Госсек пользовался простыми и понятными широкому слушателю интонациями, музыкальными образами. Их яркость и новизна были таковы, что память о них сохранилась в творчестве многих композиторов XIX столетия - от Бетховена до Берлиоза и Верди. |
|
ГРАНАДОС Энрике ( Грана дос-и-Кампинья, Gran ados v Campina) (27 VII 1867, Лерича, Каталония - 24 III 1916, погиб в Ла Манше) С творчеством Э. Гранадоса связано возрождение национальной испанской музыки. Участие в движении Ренасимьенто, которое охватило страну на рубеже XIX-XX вв., дало композитору импульс к созданию классических образцов музыки нового направления. Деятели Ренасимьенто, в частности музыканты И. Альбенис, М. де Фалья, X. Турина, стремились вывести испанскую культуру из состояния застоя, возродить ее самобытность, поднять национальную музыку на уровень передовых европейских композиторских школ. Большое влияние на Гранадоса, как и на других испанских композиторов, оказал Ф. Педрель, организатор и идейный руководитель Ренасимьенто, теоретически обосновавший пути создания классической испанской музыки в манифесте "За нашу музыку". Первые уроки музыки Граиадос получил у товарища своего отца. Вскоре семья переезжает в Барселону, где Гранадос становится учеником известного педагога X. Пухоля (фортепиано). Одновременно он занимается композицией у Педреля. Благодаря помощи мецената способный юноша едет в Париж. Там он совершенствуется в консерватории у Ш. Берио по фортепиано и Ж. Массне по композиции (1887). В классе Берио Гранадос знакомится с Р. Виньесом, впоследствии известным испанским пианистом. После двухлетнего пребывания в Париже Гранадос возвращается на родину. Он полон творческих планов. В 1892 г. исполняются его Испанские танцы для симфонического оркестра. Он с успехом солирует как пианист в концерте под управлением И. Альбениса, дирижировавшего своей "Испанской рапсодией" для фортепиано с оркестром. С П. Казальсом Гранадос концертирует по городам Испании. "Гранадос-пианист соединял в своем исполнении мягкий и певучий звук с блестящей техникой: кроме того, он был тонким и искусным колористом", - писал испанский композитор, пианист и музыковед X. Нин. Творческую и исполнительскую деятельность Гранадос успешно сочетает с общественной и педагогической. В 1900 г. он организует в Барселоне "Общество классических концертов", в 1901 - Академию музыки, которую возглавляет до своей смерти. Гранадос стремится развить творческую самостоятельность в своих учениках - молодых пианистах. Он посвящает этому свои лекции. Разрабатывая новые приемы фортепианной техники, он пишет специальное пособие "Метод педализации". Наиболее ценная часть творческого наследия Гранадоса - фортепианные сочинения. Уже в первом цикле пьес "Испанские танцы" (1892-1900) он органично сочетает национальные элементы с современными приемами письма. Композитор высоко ценил творчество великого испанского художника Ф. Гойи. Под впечатлением от его картин и рисунков из жизни "махо" и "мах" композитор создал два цикла пьес под названием "Гойески". На основе этого цикла Гранадос пишет одноименную оперу. Она стала последним крупным сочинением композитора. Первая мировая война задержала ее премьеру в Париже, и композитор решил поставить ее в Нью-Йорке. Премьера состоялась в январе 1916 г. А 24 марта германская подводная лодка потопила в Ла Манше пассажирский пароход, на котором Гранадос возвращался на родину. Трагическая гибель не позволила композитору завершить многие замыслы. Лучшие страницы его творческого наследия пленяют слушателей своим обаянием, теплотой. К. Дебюсси писал: "Я не ошибусь, если скажу, что, слушая Гранадоса, словно видишь давно знакомое и любимое лицо". |
|
Статья большая, находится на отдельной странице. |
|
Статья большая, находится на отдельной странице. |
|
Статья большая, находится на отдельной странице. |
|
Статья большая, находится на отдельной странице. |
|
Статья большая, находится на отдельной странице. |
|
Статья большая, находится на отдельной странице. |
|
Статья большая, находится на отдельной странице. |
|
Статья большая, находится на отдельной странице. |
|
Давным-давно, появился на свет этот инструмент. Родился, подобно арфе, из натянутой струны лука. Только изменялся он по-другому: струны стали натягивать не на раму, а на деревянную доску, а потом, для получения лучшего резонанса, на плоский ящик со сторонами разной длины, соответствующими постепенно увеличивающейся длине струн. Исполнитель-гусляр клал свой инструмент на колени и, перебирая струны, пел песни, сказывал былины. Это были гусли звончатые. Еще их называли гусли яровчатые. Вам, наверное, приходилось встречать эти названия в былинах и старинных русских сказках. Никто не помнит, когда они появились на Руси. Еще легендарный Боян, певший славу князьям в «Слове о полку Игореве», был гусляром. В XVII веке появились другие, более совершенные гусли, с большим, чем у звончатых, количеством струн. Их называли тогда «столовыми», а мы скажем более привычно, более современно -- настольными. Это был прямоугольный инструмент, который ставили на стол или просто приделывали к нему ножки. Звук у него был ярче и сильнее, возможности для исполнителя -- шире, чем на гуслях звончатых. В начале XX века настольные гусли были усовершенствованы Н. Приваловым. Он создал гусли четырех размеров, от самых маленьких до очень крупных -- пикколо, приму, альт и бас. Сейчас в оркестре народных инструментов применяются клавишные гусли, сконструированные Н. Фоминым также в начале нашего века. У них большой диапазон -- от пяти до семи октав, приятный, полный, насыщенный звук. У русских гуслей много родственников. Это и литовские канклес, и эстонский каннель, и карельские кантеле. Национальный карельский эпос «Калевала» исполнялся под звуки кантеле. В наше время кантеле, тоже усовершенствованные, имеют пять видов: пикколо, приму, альт, бас и контрабас. |