Приглашаем посетить сайт

Европейское искусство: Живопись. Скульптура. Графика
Статьи на букву "Р" (часть 2, "РИШ"-"РЮД")

Статьи на букву "Р" (часть 2, "РИШ"-"РЮД")

Ришье

Ришье, Жермен (Richier, Germaine) 1904, Гранс, близ Арля - 1959, Монпелье. Французский скульптор и график. В 1922-1925 училась в Школе изящных искусств в Монпелье. Прибыв в Париж в 1925, следующие 4 года обучалась мастерству скульптора у Бурделя. С началом оккупации Франции переселилась в Швейцарию, вернулась в Париж в 1945. Расцвет творчества Ришье приходится на 1940-1950-е. В работах 1940-х уроки Бурделя ощутимы в манере лепки формы, в отсылках к мотивам классики и европейского Средневековья (Дева неразумная, 1946, Базель, Художественный музей; Гроза, 1947-1948, Париж, Нац. музей современного искусства; Тавромахия, 1953, частное собрание). Бронзовые скульптуры 1950-х насыщены ассоциативными связями, в одной форме сливаются разнотипные образы. Контуры сидящей женской фигуры, расплываясь, уподобляются одновременно водопаду и архаическому сосуду (Вода, 1953-1954, Париж, Нац. музей современного искусства). Соединение антропоморфных, зооморфных и растительных мотивов порождает образы-гибриды, пробуждающие воспоминания о мифологии древних и первобытных культур (серия ощетинившихся панцирями и острыми шипами Воинов, 1953; серии Женщина-петух, 1954; Человек-птица, 1953-1955). В пластике Ришье контуры искривляются, объемы разрыхляются, прерываются глубокими впадинами, трещинами и сквозными проемами. Однако при всех деформациях вымышленные существа отличаются не только органичностью, но и некой одушевленностью, убедительностью импульсивных движений, поз, ухваток. Особенно выразительны фигуры, в которых очеловечиваются образы насекомых, ящериц, летучих мышей (Зацепившийся, 1952, Арль, Музей Реаттён; Летучая мышь, 1946, Лондон, галерея Тейт). Созданное Ришье Распятие для церкви Нотр-Дам-де-Тут-Грас в Асси (1950) вызвало бурные дискуссии о правомерности нарушения канонов сакрального образа. Ряд работ Ришье выполнены в сотрудничестве с живописцами абстрактного направления (Хартунгом, Вьейра да Сильва), которые расписывали вертикальные плиты, служившие фоном для скульптурных фигур. Ришье работала также в области печатной графики, книжной иллюстрации, а незадолго до смерти занялась живописью. Лит.: Germaine Richier: Exh. Catalog. Humlebaek: Louisiana Museum for moderne Kunst, 1980. В. Крючкова

Роббиа, Андреа делла

Роббиа, Андреа делла (Robbia, Andrea della) 1435, Флоренция - 1525, Флоренция. Итальянский скульптор, племянник и ученик Луки делла Роббиа, отец скульптора Джованни делла Роббиа. Работал во Флоренции и других городах Тосканы, преимущественно в технике покрытой цветной глазурью терракоты, которую изучил, работая до 1482 в мастерской своего дяди Луки делла Роббиа, обогатив технику последнего более богатой цветовой гаммой. Одной из самых значительных работ Андреа делла Роббиа является серия круглых майоликовых рельефов - тондо, изображающих спеленутых младенцев на фасаде Оспедале дельи Инноченти (приюта для подкидышей) во Флоренции на площади Сантиссима Аннунциата (1463-1468). Скульптор сумел безукоризненно вписать в круглые обрамления фигурки младенцев, придать разнообразие их облику, жестам пухлых детских ручек; сине-голубой фон подчеркивает белизну покрытых глазурью изваяний, плавность очертаний маленьких фигурок. К числу самых значительных работ Андреа делла Роббиа принадлежит серия выполненных в технике майолики алтарей в главном святилище францисканского ордена - Большой церкви Св. Франциска в местечке Ла Верна. В число этоих работ входит алтарь Поклонение Младенцу (ок. 1480, Ла Верна) - одна из лучших работ мастера, пользовавшаяся особым почитанием у паломников, посещавших святилище Ла Верна. Лит.: Mazynand A. Andrea della Robbia and His Atelier. Princeton, 1922. И. Смирнова

Роббиа, Лука делла

Статья большая, находится на отдельной странице.

Робер

Робер, Юбер (Rober, Hubert) 1733, Париж - 1808, Париж. Французский живописец и рисовальщик. С 1754 по 1765 учился и работал в Риме, где познакомился с Фрагонаром и вместе с ним рисовал виды виллы д’Эсте (Париж, Лувр). После возвращения в Париж выставил в Салоне 1767 несколько архитектурно-декоративных пейзажей (Римский порт, 1766, Париж, музей Школы изящных искусств). Главной темой Робера становятся воображаемые и реально существующие руины античного города. В Салоне его встретили огромный энтузиазм публики и восторженные похвалы Дидро: "Что за прекрасные и величественные руины! Какая твердость и в то же время какая легкость, уверенность, непринужденность кисти. Какой эффект! Какое величие! Какое благородство!". Пользуясь всеобщим увлечением римскими руинами, античными сюжетами и мотивами, Робер в последующие десять лет остается верен обеспечившей ему успех модной теме (Руины с обелиском в глубине, 1775; Саркофаг, 1776, обе - Москва, Гос. музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина). Однако со временем Робер обращается к окружавшей его реальности и начинает писать виды Парижа и его окрестностей (Пожар в Опере, 1781, Париж, музей Карнавале). Творческая фантазия и привычка отдаваться игре воображения не дает Роберу сделаться педантичным бытописателем, его французские пейзажи причудливым образом сочетают в себе подлинные городские и сельские виды с придуманными персонажами и никогда не существовавшими деталями (Разрушения моста Нотр-Дам, 1786-1788, Париж, музей Карнавале). Среди наиболее известных живописных полотен Робера цикл картин с античными памятниками южной Франции (Мост Гарда, Триумфальная арка и амфитеатр Оранжа, 1787, Париж, Лувр), а также предпринятая им в 1790-е серия видов Большой галереи Лувра. Несмотря на трудности, пережитые художником в годы революции, в целом судьба его была счастливой: благодаря эффектным сюжетам, свободной и легкой живописной манере картины Робера всегда находили заказчиков, а он сам оставался одним из любимых в Европе французских живописцев 2-й пол. XVIII столетия. Лит.: Каменская Т. Д. Гюбер Робер. Л., 1939; Bourda H. Die Ruine in der Bildern H. Robert’s. Munchen, 1967. Н. Золотова

Рогир ван дер Вейден

Статья большая, находится на отдельной странице.

Род

Род, Йорген (Roed, Jorgen) 1808, Копенгаген - 1888, Копенгаген. Датский живописец. Обучался с 14 лет у портретиста Х. Хансена в Академии художеств, дружил с его сыном К. Хансеном, впоследствии известным живописцем. После смерти Хансена занимался у К. В. Эккерсберга. Увлекся изображением памятников архитектуры под влиянием учителя и трудов историка искусства Нильса Лауритц Хойена о зодчестве Средневековья и Ренессанса. Принял участие в конкурсе 1835, организованном "Обществом искусств", получив первую премию за полотно Дворик в замке Фредериксборг (Фредериксборг, Художественные собрания). Писал также соборы в Орхусе (Копенгаген, Гос. музей искусств) и Роскилде (Орхус, Художественный музей), интерьер собора в Рибе в Северном Шлезвиге (1836, Копенгаген, Гос. музей искусств). В 1837 в качестве пенсионера Академии художеств поехал в Италию. Вместе с К. Хансеном путешествовал в Неаполь, Помпеи, Пестум, изучал памятники античности. Исполнил также картину на бытовой сюжет Двор тюрьмы в палаццо Барджелло во Флоренции (1842, Копенгаген, Гос. музей искусств), которую завершил уже на родине. В Италии на заказ писал полотна, копируя алтарные образы в известных церквах. В 1841 возвратился в Данию; был избран в том же году членом Академии художеств. Роду принадлежит копия Сикстинской Мадонны Рафаэля, исполненная для датского заказчика М. Хаммериха. На протяжении всей жизни писал портреты, изображая модели в интерьере (Портрет Генриэтты Туберг, 1833, Шарлоттенбург, Гос. художественное собрание) или пейзаже (Портрет художника, отдыхающего у дороги, 1852, Копенгаген, Гос. музей искусств). В 1862 получил звание профессора Академии художеств Копенгагена. Один из ярких представителей золотого века датской живописи, развивший реалистические традиции искусства К. В. Эккерсберга. Лит.: Marussen H., Salling E. Akademiet og de skonne kunster. Lungby, 1979; The Golden Age of Danish Painting: Catalogue. N. Y., 1994. Е. Федотова

Роден

Статья большая, находится на отдельной странице.

Роза

Роза, Сальватор (Rosa, Salvator) 1615, Неаполь - 1673, Рим. Итальянский живописец, актер, музыкант и поэт. Мастер неаполитанской школы. Ученик Риберы, Ф. Франкадзана и мастера батальных сцен А. Фальконе. Работал в Неаполе (до 1635), Риме (1635-1639), где обрел известность не только как художник, но и как актер и автор сатир. Временем наиболее интенсивной творческой деятельности С. Розы были годы работы во Флоренции (1639-1649), где он возглавлял Accademia dei percossi, объединявшую ученых, музыкантов, поэтов, ставил спектакли, писал канцоны, сочинял музыку, пользовался большим успехом как живописец. В 1649 возвратился в Рим. Темпераментная, артистическая и беспокойная натура С. Розы определила характер его творчества, излюбленных им батальных сцен, марин, пейзажей с фигурами путников, разбойников, философов, античных персонажей. В его Битвах (Неаполь, Нац. музей и галереи Каподимонте; Флоренция, галерея Питти) сцены сражений увидены издали, как общая панорама, в которой вспышки света и скользящие пятна глубоких теней сливают в общую пульсирующую массу набросанные открытыми мазками фигуры сражающихся, вздыбленных коней, ярко вспыхивающие боевые штандарты. Эти романтические картины сражений подчеркивают широко расстилающиеся пейзажные панорамы с древними замками, скалами, плывущими по небу огромными, как бы дымящимися, разметанными ветром облаками. Романтизированный облик природы, напоминающий о прошлых бурях и потрясениях и предвещающий новые тревоги и катаклизмы нагромождением скал, руинами замков и мостов, сломанными деревьями, острыми очертаниями прибрежных скал, борьбой теней и пятен света, становится главным мотивом его многочисленных марин (Морской пейзаж с разбойниками, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж; Морской пейзаж, Неаполь, Нац. музей и галереи Каподимонте; Морской пейзаж, Порт, обе - Флоренция, галерея Питти), пейзажей с сюжетными сценами (Лесной пейзаж с философами, Дрезден, Картинная галерея; Разрушенный мост, Пейзаж со скалой в виде арки, Пейзаж со сломанным деревом, все - Флоренция, галерея Питти) и крупнофигурных сюжетных сцен с пейзажным фоном (Одиссей и Навсикая, Демокрит и Протагор, обе - Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж). Работы С. Розы оказали значительное влияние на творческое становление Маньяско. Лит.: Ozzola Z. Vita e opere di S. Rosa. Strassberg, 1908; Cattaneo J. Salvator Rosa. Milano, 1929. И. Смирнова

Роккотальята

Роккотальята, Никколо (Roccotagliata, Niccolo) (?), Генуя - 1636/1638, Венеция. Итальянский скульптор. Мастер барокко, работал в Венеции с сыном Себастьяно. Создавал небольшие фигуры из бронзы. Бронзовая скульптура превалировала в Венето в XV-XVII столетиях. И здесь работало много последователей Якопо Сансовино. Самым известным произведением Н. Роккотальята является алтарь в венецианской церкви Сан Моизе (ок. 1633). Его образы всегда драматичны и невольно вызывают ассоциации с живописью Тинторетто. Исполнял маленькие фигурки путти из бронзы, возможно имитируя сцены борьбы - "игры Геракла", популярные во время карнавалов. Лит.: De Logu G. Antologia della sculptura Italiana. Milano, 1956. Е. Федотова

Романино

Романино, Джироламо (Romanino, Girolamo) Ок. 1484/1487, Брешия - после 1559. Итальянский живописец. Мастер брешианской школы. Работал в Брешии, Падуе (1513), Кремоне (1519-1520), Тренто (1531-1532), Пизонье (ок. 1533-1534), Вероне (1540) и др. городах Северной Италии. Творчество Романино тесно связано с традициями ломбардских местных школ, в которых своеобразный веризм, заземленность сочетались с характерными живописными принципами - холодной, серебристой гаммой, интересом к световым эффектам. В то же время Романино в большей мере, чем другие мастера, соприкоснулся с традициями венецианской школы нач. XVI в., творчеством Джованни Беллини и Джорджоне. Об этом свидетельствуют его ранние работы (Положение во гроб, 1510, Венеция, галереи Академии; Мадонна со святыми, 1513, Падуя, Гор. музей). Самобытность и яркость дарования Романино проявились в работах 1520-1530-х: четырех композициях фрескового цикла Страсти Христа (1510-1520, Кремона, собор), продолженного Порденоне; цикле картин для капеллы Сан Сакраменто (1521-1524, Брешия, церковь Сан Джованни Эванджелиста), алтарных картинах Месса св. Аполлония (1520-е, Брешия, церковь Санта Мария ин Калькера), Антоний Падуанский и донатор (1529, Сало, собор), Обручение св. Екатерины (1520-е, Кальвизано, приходская церковь), полиптихе Рождество (1521-1524, Лондон, Нац. галерея), росписях церкви Санта Мария делла Неве в Пизонье (1533-1534) и др. Фресковые росписи Романино, написанные мощно и широко, отличаются энергией рисунка, свежестью красок, живостью и экспрессией повествовательных интонаций, нарочито заземленным, почти плебейским обликом персонажей. В алтарных картинах с их звучной, насыщенной красочной гаммой, смягченной тонкими переходами светотени, святые также нередко принимают облик могучих простолюдинов, цветущих крестьянских юношей и молодых женщин; их присутствие дополняют в ряде алтарей портреты заказчиков - нарядно одетых провинциальных дворян и горожан. Художественным открытием Романино является его Св. Матфей и ангел (1524, Брешия, церковь Сан Джованни Эванджелиста), предвосхищающий одноименную картину Караваджо и крестьянским обликом святого, и эффектами ночного освещения. Особое место в творчестве Романино занимают росписи Львиной лоджии дворца Буонконсильо в Тренто, выполненные в 1531-1532 для архиепископа Клезио, представляющие удачную попытку соединения характерных для Романино жанровых мотивов (группы музицирующих дам и кавалеров в люнетах), мотивов римской школы (обнаженные гиганты в распалубках) и смелого, предвосхищающего живопись барокко эффекта росписи зеркала плафона с летящей по голубому небу колесницей Фаэтона. Лит.: Смирнова И. А. Крупнейшие художники венецианской Террафермы первой половины XVI века. М., 1978; Ferrari A. M. Romanino. Milano, 1961. И. Смирнова

Ромбоутс

Ромбоутс, Верхальст Rombot, Verhulst) 1624, Мехелен - 1698, (?). Голландский скульптор. В 1648 сотрудничал с А. Квеллином в работах для ратуши в Амстердаме. Вместе с ним считается одним из крупнейших портретистов своего времени. Создавал также надгробные монументы (надгробие Иоханна Полиандра ван Керховен, Лейден, церковь Св. Петра), в которых воплотилось его дарование портретиста. Ему принадлежит исполнение декора церкви Св. Гудулы в Брюсселе. Лит.: Baroque. Architecture. Sculpture. Painting. Cologne, 1998. Е. Федотова

Ромни

Ромни, Джордж (Romney, George) 1734, Долтон-ин-Фернесс, Ланкашир - 1802, Кендал. Английский живописец и график. Работал главным образом в жанре портрета. Учился у странствующих провинциальных мастеров Кендала и Йорка, в том числе у К. Стила (1755-1757). Наряду с портретом готовил себя к работе в историческом жанре. В 1762 переехал в Лондон и уже в следующем году был награжден премией "Общества искусств". В 1764 посетил Париж. Но наиболее важным стало путешествие по Италии (1773-1775), где он окунулся в атмосферу набирающего силу неоклассицизма, копировал Рафаэля и Микеланджело, познакомился с Фюсли. Менее разнообразный и тонкий мастер, нежели его великие современники Рейнолдс и Гейнсборо, он лучше других чувствовал чистоту классического рисунка, величавость ниспадающих тяжелыми складками драпировок, уподобляющих фигуру колонне, красоту холодного колорита, где он часто отдает предпочтение торжественному и сияющему сочетанию красного и белого. Эти качества роднят его с мастерами неоклассицизма, которому он был наиболее близок среди английских художников. Групповые портретные композиции выдают в Ромни несостоявшегося исторического живописца. В его полотнах предстает идеализированный облик английского общества. Вместе с тем лучшие холсты Ромни написаны с большой легкостью (brio), особой живописной элегантностью. Имя художника неразрывно связано с образом леди Гамильтон. Он написал более 20 ее портретов, изображая в аллегорических композициях в облике античной богини, пастушки, весны и т. д. Среди друзей Ромни было много интеллектуалов, которые вдохновили его на сюжеты из английской литературы. На эти темы он писал картины для Шекспировской галереи Бойделла. Художник уделял большое внимание также рисунку, работая сепией в неоклассическом стиле. Его графические работы были высоко оценены, но уже после смерти мастера (большое их собрание - Кембридж, Музей Фицуильям). В целом же мечтам Ромни о "большом стиле" (Grand Manner) не было суждено осуществиться. В 1798 его здоровье резко ухудшилось, и он возвратился в Кендал. Основные произведения: Дама в коричневом платье (1775, Лондон, галерея Тейт), Ричард Камберленд (ок. 1776, Лондон, Нац. портретная галерея), Семья Бомонт (ок. 1778, Лондон, галерея Тейт), Харриет Грир (1781, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж), Граф Грей (1784, Итон, колледж), Портрет Эммы, леди Гамильтон (ок. 1785, Лондон, Нац. портретная галерея), Весна (1782-1786, Лондон, галерея Кенвуд-Хаус, собрание Айви), Вечерняя прогулка (Портрет сэра Кристофера и леди Сайкс; 1786, Следмер, собрание Р. Сайкс). Лит.: Лисенков Е. Г. Английское искусство XVIII века. Л., 1964; Chamberlain A. B. George Romney. London, 1910. Т. Воронина

Рорби

Рорби, Мартинус (Rorbye, Martinus) 1803, Драммен, Норвегия - 1848, Копенгаген. Датский живописец. Родился в Норвегии, но в 1814 или 1815 вместе с семьей переехал в Данию. В 1820 поступил в Академию художеств, где сначала обучался у К. А. Лорентцена. С 1825 у К. В. Эккерсберга. Сначала работал в жанрах портрета и бытовой живописи. Ранние произведения художника характеризует известное полотно Тюрьма в Копенгагене (1831, Копенгаген, Гос. музей искусств), на котором изображена жанровая сцена у ворот городской тюрьмы. Картина Семейство Фенгер (1829, Рибе, Художественный музей) исполнена в традиции северных мастеров бидермайера. Известный датский физик, профессор Кристиан Фенгер изображен в уютной домашней обстановке в окружении жены и дочери. Об увлечении хозяина дома искусством свидетельствуют старинная гравюра в его руках, картины, развешанные на стенах. В духе живописи мастеров бидермайера исполнено и полотно Вид из окна дома художника (ок. 1825, Копенгаген, Гос. музей искусств). Как и в произведениях художников-романтиков, мотив открытого окна, сквозь которое виден залив и хозяйственные постройки на его берегу, придает ощущение сопричастности человеческой жизни бескрайнему космическому пространству. Но, как и в работах других мастеров бидермайера, это все же в большей степени показ именно частной жизни как некоего маленького, замкнутого в себе мира. Рорби посетил Париж (1834), Рим (до 1837), Афины и Константинополь (1835-1836), Сицилию (1840), исполнив много полотен с изображением памятников архитектуры, жанровых сцен. Полотна Греки, работающие на руинах Акрополя (1835), Вид Афин с юго-запада (1836, обе - Копенгаген, Гос. музей искусств), Палермо с видом на Монте Пеллегрино (1840, Лос-Анджелес, Музей искусств), Утро на Пьяцца Марина в Палермо (1844), Источник на площади Санта София у ворот Сераля в Константинополе (1846, обе - Копенгаген, Гос. музей искусств) тонко передают колорит тех стран, которые посетил Рорби, в них с большим мастерством написаны архитектурные памятники и фигурки людей на пленэре. В 1833 Рорби путешествовал на полуостров Ютландия, откуда привез много рисунков с изображением бытовых сцен, портретов, пейзажей. В 1844 Рорби получил звание профессора Академии художеств Копенгагена, где у него было немало учеников. Лит.: Melander T. Martinus Rorbye. 1803-1848. Exhibition: Catalogue. Copenhagen, 1981. The Golden Age of Danish Painting: Catalogue. N. Y., 1994. Е. Федотова

Рослин

Рослин, Александр (Roslin, Alexander) 1718, Мальме - 1793, Париж. Шведский живописец. Учился у портретиста Г. Шредера в Стокгольме (1736-1739). Работал в Швеции (1741-1745), состоял портретистом при бранденбургском дворе (1745-1747). В 1747-1751 работал в Италии. С 1752 жил в Париже, откуда выезжал в Швецию (1744), Россию (1775-1777). С 1753 член Академии живописи и ваяния в Париже. С 1773 почетный член Академии художеств Стокгольма. А. Рослин был видным портретистом века Просвещения. Писал в основном парадные портреты (Барон де Нобург-Кромьер, 1756; Портрет баронессы де Нобург-Кромьер, оба - Стокгольм, Нац. музей), изображая модели в ярких костюмах, украшенных гирляндами цветов, позументами. О групповых портретах художника писал Д. Дидро, сравнивая их с работами Греза и полагая, что образы Рослина более чопорны. На полотне Портрет семейства Дженингс (1769, Стокгольм, Нац. музей) в интерьере парижского особняка изображены у клавесина известный шведский торговец бронзовыми изделиями Джон Дженингс, его брат и супруга. В традиции северных мастеров Рослин детально выписывает предметы интерьера, и вся сцена напоминает скорее "сцену собеседования". Более глубоки образы в полотнах Портрет старшей дочери (Париж, Лувр), Автопортрет (Флоренция, галерея Уффици). В духе увлечений века художник изображает дочь у статуи Гомера с гирляндой цветов. В России были исполнены портреты великого князя Павла Петровича (1777), его первой супруги - великой княгини Наталии (1776), его второй супруги - великой княгини Марии Федоровны (1777), портрет Екатерины II в рост (1776-1777), президента Академии художеств в Петербурге И. И. Бецкого (1777), портрет князя З. Г. Чернышова (ок. 1776), градоначальника Москвы, Портрет неизвестного в кафтане (1764, все - Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж). Лит.: Roslin and Wertmuller. Some unpublished documents // Gazette des Beaux Art. 1944. April. P. 221-230; Le Soliel et Etoile du Nord. La France et la Suide au XVIII siecle. Galerie nationale du Grande Palais. Paris, 15 mars - 13 juin, 1994; Catherine the Great and Gustav III. Nationalmuseum 9 october 1998 - 28 February 1999. Helsingborg, 1999; Face to face. Portraits from Five Centuries. National museum, Stockholm. 2002. Verone, 2002. Е. Федотова

Росселино, Антонио

Росселино, Антонио (Rossellino, Antonio) 1427, Флоренция - 1479, Флоренция. Итальянский скульптор. Младший брат и ученик скульптора Бернардо Росселино. Работал во Флоренции, Эмполи, Фаэнце, Венеции, возможно в Неаполе. Один из ведущих мастеров Флоренции 2-й пол. XV в. С его именем связывают статую св. Себастьяна (Эмполи, Колледжата) - одно из лучших изображений обнаженного мужского тела в скульптуре XV в., надгробие Сан Савино в соборе города Фаэнцы, монумент Роварелло в Ферраре (церковь Сан Джордано), алтарь в капелле Иоанна Крестителя церкви Сан Джоббе (Венеция). Самой значительной работой Антонио Росселино является капелла и надгробие кардинала Португальского (1461-1466, Флоренция, церковь Сан Миньято аль Монте). Молодой кардинал Хаиме Португальский, принадлежавший к королевской семье Португалии, скончался в возрасте 25 лет в 1459 и в завещании просил похоронить его во флорентийской церкви Сан Миньято аль Монте. По-видимому, первоначально предполагалось поручить эту работу Дезидерио да Сеттиньято, которому была передана посмертная маска, снятая с лица кардинала. Однако уже в 1461 А. Росселино начал работу над монументом, подписав контракт в декабре этого года. В сентябре 1466 все работы в капелле были завершены, и она была освящена. Общее решение композиции монумента с надгробием в неглубокой нише с арочным завершением, по-видимому, навеяно надгробием Карло Марсуппини работы Дезидерио да Сеттиньяно (ок. 1455-1458, Флоренция, церковь Санта Кроче), но Росселино предпочел не столь сильно акцентировать арку, чтобы подчеркнуть выразительность самого монумента. Хотя жанр монументального надгробия был достаточно широко распространен в Италии XV в., и ему отдавали дань почти все ведущие мастера этого времени, даже на фоне их творений надгробие кардинала Португальского выделяется своим гармоничным строем. Ритм арки, осененной треугольным навершием, повторяется в рисунке, объединяющем заключенную в круглое обрамление полуфигуру Мадонны с Младенцем, очертании фигур скорбящих ангелов, и очерченном плавной дугой покрова на смертном ложе. Этот ритм подчеркивает ясность и спокойствие еще не тронутого тлением молодого лица усопшего, повторяется в гирлянде, украшающей постамент. Сочетание белого каррарского и цветного мрамора придает этой гробнице особое великолепие. В кон. 1470-1480-х основные мотивы этого монумента были повторены в надгробии Марии Арагонской, выполненном, по-видимому, скульпторами, ранее работавшими с Антонио Росселино (Неаполь, церковь Сант Анна деи Ломбарди, капелла Пикколомини). Лит.: Смирнова И. А. Искусство Италии конца XIII-XV веков. М., 1987; Gottschalk H. Antonio Rossellino. Berlin, 1930; Planiscig L. Bernardo und Antonio Rossellino. Wien, 1942; Harrt F., Corti G., Kennedy C. The Chapel of the Cardinal of Portugal (1434-1459) at San Miniato in Florence. Philadelphia, 1964. И. Смирнова

Росселино, Бернардо

Росселино, Бернардо (Rossellino, Bernardo) 1409, Сеттиньяно, близ Флоренции - 1464, Флоренция. Итальянский скульптор и архитектор. Рано осиротевший, воспитал и обучил мастерству скульптора четырех младших братьев, среди которых самым одаренным был Антонио Росселино. Работал во Флоренции, Риме (1430-е), Ареццо (1434), Пиенце (1460-1462). Как архитектор руководил постройкой палаццо Руччелаи во Флоренции (ок. 1446-1451), проект для которого сделал Альберти. Б. Росселино-архитектору принадлежит и единственный в Италии XV в. новый архитектурный ансамбль - застройка центральной городской площади Пиенцы (1460-1462), в течение нескольких лет исполнял обязанности capomaestro - главного архитектора собора во Флоренции. Скульптурное наследие Бернардо Росселино невелико по объему, но занимает важное место в истории флорентийской скульптуры XV в. Самой его значительной работой является надгробие видного итальянского гуманиста, канцлера Флорентийской республики Леонардо Бруни (ок. 1445-1450, Флоренция, церковь Санта Кроче). Новый, ренессансный тип пристенного надгробия был разработан еще Донателло, в воздвигнутом им в 1420-х надгробии антипапы Иоанна XIII. Но классический тип ренессансного надгробия представляет памятник Леонардо Бруни. Надгробие флорентийского канцлера величественно, гармонично, полно торжественности и спокойствия. Прямоугольный саркофаг с прахом канцлера украшает надпись на латыни: "Когда Леонардо ушел из жизни, История оделась в траур, Красноречие умолкло, а обе музы - латинская и греческая, не смогли сдержать слез". Сам усопший возлежит над саркофагом, на ложе, обратив к нам спокойное немолодое лицо и прижимая к груди своей главный труд - Историю Флоренции. Надгробие заключено в строгое и величественное архитектурное обрамление с двумя большими пилястрами, поддерживающими величественную арку с рельефами, изображающими Мадонну с Младенцем и двумя ангелами. Арку увенчивают фигуры двух крылатых путти, поддерживающих герб семьи Бруни. Поразительна гармония, связывающая воедино в надгробии Бруни все эти разнородные элементы, ясность и строгость композиции, сдержанность цветовой гаммы, в которой белому мрамору аккомпанирует зеленый и розово-красный. Надгробие Леонардо Бруни осталось главной работой Бернардо Росселино-скульптора и оказало большое влияние на развитие этого типа надгробного монумента во Флоренции. Среди других немногочисленных его работ выделяется прекрасная скульптурная группа Благовещение (начата в 1444, Эмполи, Колледжата, Музей) с полными одухотворенности, поэтичности, пластической красоты фигурами Марии и архангела Гавриила. Лит.: Смирнова И. А. Искусство Италии XIII-XV вв. М., 1987; Виппер Б. Р. Итальянский Ренессанс. М., 1977. Т. II; Seymour Ch. Sculpture in Italy. 1400 to 1500. Baltimore, 1968. И. Смирнова

Россетти

Статья большая, находится на отдельной странице.

Россо, Медардо

Статья большая, находится на отдельной странице.

Россо Фьорентино

Россо Фьорентино (Rosso Fiorentino; букв. Рыжий из Флоренции), наст. имя Джанбаттиста ди Якопо 1494, Флоренция - 1540, Париж. Итальянский живописец. Мастер флорентийской школы. Учился у А. дель Сарто и Понтормо. Работал в Ваольтерре, Флоренции, Риме, а с 1530 - во Франции при дворе Франциска I. Работавший в переломную эпоху, отмеченную началом кризиса флорентийско-римского Высокого Возрождения, Россо, как и Я. Понтормо, принадлежит к первому поколению флорентийских маньеристов, стремившихся противопоставить эстетической системе Возрождения новое, более сложное, обостренно-личное, смятенное видение мира, найти более острый, субъективный изобразительный язык. Россо выделяется даже на фоне других флорентийских маньеристов своим драматическим темпераментом и экстравагантностью, всплесками эмоции, патетической напряженностью цвета, доведенной почти до гротеска экспрессией жестов и поз. В то же время Россо владел и всем богатством арсенала классических мотивов искусства Высокого Возрождения, обладал утонченным вкусом и дарованием декоратора, что блистательно раскрылось в осуществленной под его руководством живописной декорации галереи Франциска I в Фонтенбло, оказавшей большое влияние на мастеров французского Возрождения. Основные произведения: Мадонна со святыми (1518, Флоренция, галерея Уффици), Снятие с креста (1521, Вольтерра, Пинакотека), Обручение Девы Марии (1523, Флоренция, церковь Сан Лоренцо), Алтарь Деи (1522, Флоренция галерея Питти), Моисей и дочери Иофора (1524, Флоренция, галерея Уффици), росписи галереи Арнциска I (1530-1540, Фонтенбло, дворец Франциска I). Лит.: Barocchi P. Il Rosso Fiorentino. Roma, 1950. И. Смирнова

Ротари

Статья большая, находится на отдельной странице.

Роулендсон

Статья большая, находится на отдельной странице.

Роэлас

Роэлас, Хуан де (Ruelas, Juan de) Ок. 1560, Севилья - 1625, Оливарес. Испанский живописец. Был священником и лиценциатом, т. е. бакалавром, получившим право читать лекции, не имея ученой степени. Первое упоминание связано с созданной Роэласом гравюрой, датированной 1597. С 1598 работал в Вальядолиде, с 1602 жил в Севилье и близ нее, в местечке Оливарес. В 1616 побывал в Мадриде, безуспешно пытаясь стать королевским капелланом и придворным художником. Вернувшись в Севилью, он занял место капеллана соборной церкви. Большое внимание на творчество Роэласа оказала венецианская живопись, которую он изучал в художественных собраниях Мадрида и Эскориала. Исследователи высказывали предположения, что художник был в Венеции, но пребывание его в Италии источниками не подтверждается. Легкие краски, пластичность форм и прозрачные светотеневые переходы в произведениях Роэласа были, несомненно, связаны с традициями венецианского искусства. Вместе с тем в его огромных, перегруженных фигурами, тяготеющих к декоративной условности полотнах сохраняется зависимость от приемов изживавшего себя романизма. Усвоенная итальянская классическая основа сочетается в творчестве мастера с чертами нового нарождающегося в Испании национального искусства; поэтому Роэлас обычно рассматривается среди основоположников реалистического направления в испанской живописи XVII в. Основные произведения: алтарные картины Обрезание (1606, Севилья, Университет), Сант Яго - победитель мавров (1609, Севилья, собор), Непорочное зачатие (1615, Вальядолид, Музей), Детство Девы Марии (Севилья, Музей изящных искусств), Смерть св. Исидора (Севилья, церковь Сан Исидоро; композиция особенно интересна портретами севильской знати, монахов, ученых); алтарь в церкви Мерсед в Севилье (1619). Лучшие качества Хуана Роэласа как выдающегося живописца раскрылись в самой известной его картине Мученичество апостола Андрея, написанной для коллегии Сан Томе в Севилье (1612, Севилья, Музей изящных искусств). Традиционное деление полотна на небесную и земную сферу, на идеально-условные и реальные образы мастер умело соединяет в великолепной, тяготеющей к симметрии и вместе с тем свободной композиции. В нижней зоне изображены всадники, плотники, палачи, знатные горожане, нищий с мальчиком. Они написаны без прикрас, их характерный облик придает декоративной композиции оттенок неожиданной свежести. Господствуют золотисто-желтые, насыщенно-красные, глубокие розовые тона, призрачен далекий пейзаж, залитый светом. Лит.: Valdivieso Gonzalez E. Juan de Roelas. 1560-1625. Sevilla, 1978. Т. Каптерева

Рубенс

Статья большая, находится на отдельной странице.

Рубийяк

Рубийяк, Луи Франсуа (Roubiliac, Louis Francois) 1702, Лион - 1762, Лондон. Английский скульптор. Родился во Франции, возможно, начинал свою деятельность под руководством Б. Пермозера в Дрездене; затем обучался у Н. Кусту в Париже. В 1730, будучи учеником Королевской академии живописи и скульптуры, выиграл второй приз. Ок. 1730 был в Англии и сочетался браком с гугеноткой К. Хело. Его первая работа - статуя Г. Ф. Генделя (1738) - принесла ему успех в Англии. Две аллегорические фигуры Аполлон и Орфей фланкировали сидящую фигуру известного композитора, рядом с которым была изображена лира. Это был один из первых памятников еще живущему композитору. Среди известных работ Рубийяка - надгробие сэра Джозефа и леди Элизабет Найтингейл (1758-1761, Лондон, Вестминстерское аббатство). Оно создано в традиции полихромной пластики барокко: исполненная из мрамора более темного цвета аллегорическая фигура Смерти олицетворяет ее триумф, она касается жезлом двух фигур усопших, изображенных сидящими на саркофаге в античном стиле. Рубийяк был хорошим портретистом, правдиво передавал характер модели, с большим мастерством изображал фактуру тканей и кожный покров (Портрет Джона Белкера, 1749, Лондон, Королевский колледж). Лит.: Baroque. Architecture. Sculpture. Painting. Cologne, 1998; British sculpture 1470 to 2000. Catalog of the collection at the Victorian and Albert museum. London, 2002. Е. Федотова

Рунге

Статья большая, находится на отдельной странице.

Рунеберг

Рунеберг, Валтер (Runeberg, Walter) 1838 - 1920, Хельсинки. Один из первых видных мастеров Финляндии в скульптуре. Обучался у К. Э. Шёстранда, затем у Р. В. Экмана. Занимался также в Копенгагене у Х. В. Биссена. Длительное время жил и работал в Риме, где изучал античную скульптуру. Группы Аполлон и Марсий (1867), Психея со светильником и кинжалом в руках (1878), Психея с орлом Юпитера (1875, все - Хельсинки, Атенеум) исполнены под влиянием античной скульптуры, обогатившей пластические возможности Рунеберга. В нач. 1890-х возвратился в Финляндию. Рано снискал международную известность. Талант скульптора раскрылся в области монументальной скульптуры. В 1882-1885 В. Рунеберг создал памятник отцу - поэту Йохану Людвигу Рунебергу, воздвигнутый в центре Хельсинки на бульваре Эспланада. В Турку им был исполнен памятник генерал-губернатору Перу Брахе (1884-1885). В обоих произведениях передана значительность образов, продемонстрировано великолепное мастерство работы в бронзе. В. Рунеберг внес большой вклад в историю финской скульптуры. Лит.: Безрукова М. И. Искусство Финляндии. М., 1986. Е. Федотова

Руо

Статья большая, находится на отдельной странице.

Русиньол Пратс

Русиньол Пратс, Сантьяго (Rusinol Pratz, Santiago) 1861, Барселона - 1931, Аранхуэс. Испанский живописец, рисовальщик, писатель, драматург, публицист. Выходец из богатой семьи каталонского коммерсанта. Вел независимую жизнь, тяготел к миру искусства и художественной богемы. Жил и работал в Барселоне, Сиджесе, Аранхуэсе и преимущественно в Париже, где сблизился с выдающимися деятелями французской культуры (Э. Золя, А. Доде), в 1890 встретил Р. Касаса и французского критика Мишеля Утрилло, сотрудничество с которыми способствовало открытию в Барселоне в подражание парижскому кафе "Ша нуар" кафе "Элс Куатр Гатс" ("Четыре кота"), ставшего центром объединения художественного авангарда в искусстве Каталонии. Купив просторный рыбацкий дом на побережье Сиджеса, Росалес превратил его в уникальный музей своих коллекций, среди которых особая роль помимо картин, скульптуры, керамики и мебели принадлежала старинным изделиям из кованого железа, поэтому дом получил название Кау Феррат (Железное гнездо). В 1929 дом со всей коллекцией, в том числе с картинами Эль Греко, к которому Росалес одним из первых в Испании привлек широкое внимание общественности, был завещан мастером городу Сиджесу и в 1933 стал государственным общедоступным музеем. По инициативе Русиньола и его друзей Р. Касаса и М. Утрилло, в Сиджесе происходили праздники нового искусства, пользовавшиеся известностью и за пределами Каталонии. Деятельная, творчески одаренная личность Русиньола проявилась в его литературных трудах (водевили, автобиографическая повесть Радости сеньора Эстеви) и особенно в живописи. Не получив академического образования, он учился в Барселоне в частной живописной школе. Испытал влияние искусства модерна, а во время длительного пребывания в Париже - французского импрессионизма. Писал портреты и пейзажи, большинство которых не датировано и находится в Барселоне в Музее современного искусства. Произведения: два портрета М. Утрилло (ок. 1890, 1891), Портрет Луиса Кера в саду (1889), Портрет мальчика-мастерового (1993), Мост над рекой, Вид порта, Монмартр (1890-1891), Романс (1893-1894). Русиньол тяготел к созданию ясных уравновешенных, спокойных образов, к изображению четко организованного, уходящего в глубину пространства, что отличает его картины нач. 1890-х с изображениями интерьеров с одиночными женскими фигурами (Лаборатория в Ла Галетте, Интерьер в Сиджесе, Белая галерея). Схожие пространственные задачи мастер решал в картинах, связанных с его интересом к образу старинного парка, ухоженного старого сада. Его лучшие полотна - Сад Аранхуэса (1911), Сады Хенералифе, Сад в горах, Патио - проникнуты чувством покоя и гармонии. Лит.: Exposicion Centenario Santiago Rusinol. 1861-1931. Т. Каптерева

Рускони

Статья большая, находится на отдельной странице.

Руссо

Руссо, Анри (Rousseau, Henri) 1844, Лаваль - 1910, Париж. Французский живописец-самоучка. В 1871-1893 служил в акцизном ведомстве Парижа, по этой причине за ним закрепилось прозвище "Таможенник". Занявшись живописью ок. 1880, впервые показал свои работы в "Салоне независимых" в 1886. В дальнейшем регулярно участвовал в выставках "Общества независимых". Творчество Руссо тесно связано с низовой городской культурой (лубок, трактирные вывески, ярмарочные афиши, фотоснимки с декорациями-трафаретами). С другой стороны, Руссо преклонялся перед мастерами салонной академической живописи (В. Бугро, Ж. Л. Жером) и стремился в своих полотнах воспроизвести жанровые особенности и стилистические признаки официального искусства (парадный автопортрет под названием Я, портрет-пейзаж, 1890, Прага, Нац. галерея; пастораль Счастливый квартет, 1902, Нью-Йорк, частное собрание). Своеобразный эффект двойственности, возникающий как следствие транскрипции академической системы, ее изложения языком наивного просторечья (несовершенства рисунка, перспективы, моделировки), а также несомненный колористический дар Руссо привлекли внимание французского авангарда (сначала - А. Жарри, Гогена, Редона, Сёра, затем - Г. Аполлинера, Пикассо, Делоне). Творчество Руссо весьма разнообразно по жанрам и тематике. Он писал портреты, семейные празднества и церемонии (свадьбы, крещения), виды Парижа и его окрестностей, экзотические пейзажи, военные парады и баталии. В отличие от других "примитивов" Руссо прошел определенную эволюцию. Ок. 1890 ранее преобладавшая в его живописи раздельная кладка мазков сменяется слитной манерой. Жестко прочерченный контур, крепкие, плотно окрашенные формы, однородный блеск глянцевой поверхности создают впечатление особой устойчивости, ремесленной прочности изображения. Художник часто копировал фигуры с журнальных картинок и открыток. При этом тривиальные прототипы массовой культуры претворялись Руссо в визионерские образы-грезы, которым он сознательно стремился придать "нечто египетское", т. е. ощущение вечности (Спящая цыганка, 1897, Нью-Йорк, Музей современного искусства; Война, Париж, музей Орсе). В портретах Руссо варьировал готовые иконографические схемы - от семейных фотографий "на память" (Свадьба, 1905, Париж, музей Оранжери) до академического жанра костюмированного портрета-аллегории (Муза, вдохновляющая поэта <Портрет поэта Г. Аполлинера и художницы М. Лорансен>, 1909, Москва, Гос. музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина). С 1905 воображение Руссо занимают картины тропических лесов, схваток хищников в джунглях, охоты на диких зверей (В тропическом лесу, 1910, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж; Нападение ягуара на лошадь, 1910, Москва, Гос. музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина). Никогда не выезжая за пределы Франции, Руссо сочинял собственную экзотику "заморских стран", передавая свои фантазии с исключительной оптической отчетливостью. Во Сне (1910, Нью-Йорк, Музей современного искусства) два уровня воображаемой реальности сливаются в одной композиции: пышная растительность, сказочные цветы, плоды и птицы окружают гранатовое канапе грезящей красавицы. Эта галлюцинаторная достоверность в передаче вымышленного мира будет по-своему оценена сюрреалистами. С признанием творчества Руссо открылся ранее игнорировавшийся пласт художественной культуры ("наивное" творчество самоучек), который стимулировал развитие тенденций примитивизма в профессиональном искусстве XX в. Лит.: Перрюшо А. Таможенник Руссо. М., 1994; Воллар А. Воспоминания торговца картинами. М., 1994; Валье Д. Анри Руссо. М., 1995; Vallier D. Tout l’?uvre peint de Henri Rousseau. Paris, 1970; Certigny H. La verite sur le Douanier Rousseau. Paris, 1971. В. Крючкова

Руссо, Теодор

Руссо, Теодор (Rousseau, Theodore) 1812, Париж - 1867, Барбизон. Французский живописец и график. Пейзажист барбизонской школы (от названия деревни Барбизон недалеко от Парижа). Происходил из состоятельной семьи, которая поощряла его художественные наклонности. Учился в Школе изящных искусств в Париже у Ш. Ремона и Г. Летьера. Испытал влияние голландских пейзажистов XVII в., а также Констебла и Бонингтона. С именем Руссо и других художников, работавших в Барбизоне, связан расцвет французского пейзажа. Они открыли красоту сельской Франции - красоту простой, обжитой человеком и благожелательной к нему природы. Руссо много путешествовал по Франции, он хотел, по его словам, "сделаться художником своей страны". Первой картиной, принесшей ему известность, был Вид в окрестностях Гранвиля (1833, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж). Художник сумел увидеть поэзию в самом обыденном пейзажном мотиве, изобразив размытую дорогу, редкий кустарник, фигурки людей, идущих по своим делам. Придавая композиции большое значение, Руссо вместо характерных для классического пейзажа кулис оставляет пространство переднего плана открытым; часто на нем изображены дорога или тропинка, уводящая в глубину и словно приглашающая зрителя мысленно войти в картину (Весна, ок. 1850, Париж, музей Орсе; Вечер. Кюре, ок. 1850-1855, США, Толедо, Музей искусств). "Если бы я был королем, - говорил Руссо, - я внес бы поэзию в жизнь нации, я поднял бы низшие классы, отупевшие, изуродованные нищетой, и, восстановив красоту человека, я вернул бы ему естественное окружение - пейзаж и небо". Мысли об особом назначении художника, о его роли в жизни общества, о том, что искусство может и должно поднимать человека, сообщали полотнам мастера подлинную эпичность. Картины Руссо пронизаны торжественными ритмами, найденными в бескрайности равнин со скользящими тенями облаков, в мощных дубах, раскинувших свои царственные кроны в просторах неба, в нагромождении скал - это ритмы самой природы, приобщающие зрителя к мировосприятию художника, дающие ему возможность почувствовать в изображении привычного пейзажа отблески величия мироздания (Дубы, 1852; Опушка леса в Фонтенбло. Закат, 1848-1850, оба - Париж, музей Орсе). Лит.: Яворская Н. В. Пейзаж Барбизонской школы. М., 1962; Toussaint H., Deforges M. T. Catalogue exposition de Theodore Rousseau. Paris, 1967. В. Стародубова

Руссоло

Руссоло, Луиджи (Russolo, Luigi) 1885, Портогруаро, близ Венеции - 1947, Черро ди Лавено, на Лаго Маджоре. Итальянский художник. Представитель футуризма. Вырос в семье музыканта. Обучался живописи, но законченного художественного образования не получил. В ранних работах следовал системе дивизионизма. Приехав в Милан, принял участие в инициированном Маринетти движении литературного авангарда, сотрудничал в журнале Поэзия. В 1909 познакомился с Боччони и Карра, в 1910 подписал Манифест художников-футуристов, положивший начало футуристическому направлению в живописи. В ранней футуристической картине Аромат (1910, частное собрание) дивизионистские раздельные мазки располагаются по волнообразным линиям, образуя подобие вихревых воронок. Дальнейшая эволюция Руссоло типична для футуризма. Фантасмагорические картины ночного города с гротескными фигурами, масками, мельканием электрического света (Фонари, 1910, Рим, Нац. галерея современного искусства; Воспоминание об одной ночи, 1911, частное собрание) сменяются "энергетическими" композициями, в которых глубокие пространственные прорывы сопровождаются лучеобразными "линиями-силами", резкими перепадами света и мрака, распадающимися в стремительном движении формами (Восстание, 1911, Гаага, Гор. музей; Свет, дома, небо, 1912, Базель, Художественный музей; Динамизм автомобиля, 1912-1913, Париж, Нац. музей современного искусства). Одновременно Руссоло продолжал заниматься музыкой. В 1913 выпустил манифест Искусство шумов, в котором предвосхитил конкретную музыку. Изобрел музыкальную машину "интонарумори" и несколько новых музыкальных инструментов. С началом Первой мировой войны отправился добровольцем на фронт, где получил ранение в голову. По окончании войны переселился в Париж, обратился к более традиционным методам фигуративной живописи. Незадолго до смерти вернулся в Италию. Лит.: Russolo M. Z. Russolo: l’uomo, l’artista. Milano, 1958. В. Крючкова

Рюд

Статья большая, находится на отдельной странице.